색의 해방, 감정의 폭발 : 야수주의

‘아트 에센스’ 시리즈 세 번째 책은 야수주의를 다룬다. 야수주의는 ‘자연의 재현’이라는 목표를 완전히 거부하고, ‘굳이 현실 그대로 그릴 필요가 있는가?’라는 급진적인 질문을 던졌다. 이들에게 색채는 더 이상 자연을 모방하는 도구가 아니었으며 인간의 주관적인 감정과 진실된 감정을 직접 전달하는 살아 있는 언어였다.



마티스의 순수한 기쁨, 블라맹크의 원시적 충동, 드랭의 지적 실험, 루오의 영적 갈망, 반 동겐의 도시적 감각 등 이 모든 것이 현실을 압도하는 강렬한 색채로 표출되었다. 이들은 완벽한 그림보다는 진실한 그림을 그리고자 했던 것이다. 주목할 점은 이 혁신이 단순히 미술 내부의 조형 실험에 그치지 않았다는 사실이다.



야수주의 화가들 중 상당수는 기존 아카데미 미술의 모든 규칙과 관습에 도전하는 아나키즘적 사상을 지녔으며, 캔버스 위의 색채 해방은 곧 사회적 해방의 은유이자 실천이었다. 야수주의가 남긴 가장 큰 유산은 ‘예술에는 정답이 없다’는 깨달음이다. 오늘날 브랜드 로고의 강렬한 색 대비나 디지털 미디어의 현란한 색감 등 이들이 열어젖힌 색채 자율성의 전통은 현대 사회 전반에 걸쳐 살아 숨 쉬고 있다.



필요한 것은 오직 자유롭게 표현할 권리!

낡은 관습을 박차고 혁신적 표현에 도전하다



오직 다섯 개의 작품이면 된다. 현대미술사 이해를 위한 최소한의 지식 시리즈, ‘아트 에센스’ 시리즈가 출간되었다. 학계와 현장의 접점에서 활약 중인 현대미술포럼 집필진의 서양미술사 강의를 책으로 만나는 아트 에센스 시리즈는 오직 다섯 개의 대표 그림으로 각 미술사조의 핵심만 파악해 ‘아는 만큼 보이는’ 감상의 기쁨, 명작을 알아보는 감식안, 자신만의 자유로운 예술적 취향을 발견하게 해준다. 매혹적이지만 난해한 현대미술을 이해하기 위한 완벽한 길잡이다.



색의 해방, 감정의 폭발 – 야수주의

“잘 그리는 법 따위는 없다!” 예술에는 정답이 없음을 일깨운 포효

‘아트 에센스’ 시리즈 세 번째 책은 야수주의를 다룬다. 야수주의는 ‘자연의 재현’이라는 목표를 완전히 거부하고, ‘굳이 현실 그대로 그릴 필요가 있는가?’라는 급진적인 질문을 던졌다. 이들에게 색채는 더 이상 자연을 모방하는 도구가 아니었으며 인간의 주관적인 감정과 진실된 감정을 직접 전달하는 살아 있는 언어였다. 마티스의 순수한 기쁨, 블라맹크의 원시적 충동, 드랭의 지적 실험, 루오의 영적 갈망, 반 동겐의 도시적 감각 등 이 모든 것이 현실을 압도하는 강렬한 색채로 표출되었다. 이들은 완벽한 그림보다는 진실한 그림을 그리고자 했던 것이다. 주목할 점은 이 혁신이 단순히 미술 내부의 조형 실험에 그치지 않았다는 사실이다. 야수주의 화가들 중 상당수는 기존 아카데미 미술의 모든 규칙과 관습에 도전하는 아나키즘적 사상을 지녔으며, 캔버스 위의 색채 해방은 곧 사회적 해방의 은유이자 실천이었다. 야수주의가 남긴 가장 큰 유산은 ‘예술에는 정답이 없다’는 깨달음이다. 오늘날 브랜드 로고의 강렬한 색 대비나 디지털 미디어의 현란한 색감 등 이들이 열어젖힌 색채 자율성의 전통은 현대 사회 전반에 걸쳐 살아 숨 쉬고 있다.



색채의 해방을 꿈꾼 젊은 챔피언들

‘아트 에센스’ 시리즈는 매혹적이지만 난해한 현대미술을 이해하기 위해 오직 다섯 개의 대표 그림으로 각 미술사조의 핵심만 파악하는 시리즈다. 세 번째 책에서는 주관적이고 진실한 감정이 재현을 앞서야 한다는 믿음으로 색채의 해방을 부르짖었던 야수주의자들의 행보에 집중한다. 이들의 가장 큰 특징은 무엇보다도 ‘색채’의 절대적 우위를 주장한 점이다. 이들은 인상주의자들조차도 완전히 벗어나지 못했던 목표 즉 현실의 재현라는 목적 자체에서 완전히 벗어난다. 그리고 인간의 감정을 직접 전달하는 언어의 위치에 색채를 올려놓는다. 즉 색채를 대상을 재현적으로 묘사하는 수단이 아닌 감정과 상징, 마음속 깊은 이미지를 직접적으로 표현하는 언어로 사용했다. 예를 들어 빨간색은 사과의 색이 아닌 열정과 사랑, 격정과 분노를, 파란색은 하늘의 색이 아니라 평온함과 고요함 때로는 냉정함과 우울함을 전달한 것이다.



붓을 든 아나키스트

저자는 야수주의자들의 활동을 충분히 이해하기 위해서는 이들이 활동했던 시대의 사회상을 이해할 필요가 있다고 말한다. 야수주의자들이 첫 전시(1905)를 열었던 20세기 초, 프랑스 제3공화정이 등장한 시기는 20세기의 출발점이자 사회 전체가 새로움으로 들끓던 격동의 시대였다. 이 시기 대부분의 야수주의자들은 부르주아 사회의 관습과 권위에 정면으로 도전하는 아나키스트들이었다. 이러던 것이 1914년 제1차 세계대전이 일어나면서 전쟁의 충격과 혼란을 경험하면서 정치나 이념보다 작품의 색과 형태 자체에 집중하는 ‘형식주의’ 미술 비평에 힘이 실리기 시작했다. 이러한 맥락은 캔버스 위에도 영향을 미쳤고, 야수주의자들은 작품 속에 정치적 의도를 담기보다는 순수한 조형적 성향으로 차츰 나아갔다.



예술에는 정답이 없다는 깨달음

야수주의는 불과 3년이라는 짧은 기간 동안 존재하면서 미술사에 지워지지 않을 족적을 남겼다. 야수주의자들은 젊은 날 한때의 반란에 그치지 않고 일생에 걸쳐 부단히 노력하며 자신만의 스타일을 찾고 혁신을 거듭했다. 색채의 아름다움으로 사람들의 마음을 치유하여 “안락의자” 같은 예술을 만들고자 했던 마티스, 머리가 아닌 오직 가슴에서 우러나오는 진실, 튜브에서 직접 짜낸 물감처럼 순수하고 직접적인 감정을 분출했던 블라맹크, 마티스에 가려 상대적으로 덜 주목받았지만 회화와 무대예술의 경계를 과감히 해체, 종합예술을 추구했던 드랭, 스스로 “나는 야수가 아닌 신앙인”이라고 말하며 이중섭을 비롯한 한국 작가들에게도 많은 영감을 주었던 루오, 여성 초상화에서 과감한 실험 정신을 보여주며 예술의 ‘순수성’과 ‘상업성’의 경계에서 질문을 던진 반 동겐…. 이러한 야수주의자들의 정신적 유산은 오늘날의 현대미술에도 고스란히 남아 있다.